Brice Marden, abstrakter Künstler, der der Malerei neues Leben eingehaucht hat, stirbt im Alter von 84 Jahren

Brice Marden, der in den 1960er Jahren mit seinen gedämpften, aber verführerischen, monochromen Leinwänden die Kunst der Malerei neu belebte und sich in seiner sechs Jahrzehnte dauernden Karriere, die von geprägt war, auf Minimalismus, abstrakten Expressionismus, Gelehrtensteine, chinesische Kalligraphie und Poesie der Tang-Dynastie stützte Unruhiges Experimentieren, starb am 10. August in seinem Haus in Tivoli, NY. Er war 84 Jahre alt.

Laut einer von seinem Studio geteilten Familienerklärung war die Ursache Krebs. Bei Herrn Marden, bei dem 2017 Rektumkrebs diagnostiziert wurde, malte er noch am Samstag und bereitete sich auf eine geplante November-Ausstellung in einer der New Yorker Galerien von Gagosian vor.

Als Meister der Farbe, des Lichts und der Textur war Herr Marden zunächst für seine geheimnisvollen monochromen Leinwände bekannt, die das Herzstück seines New Yorker Debüts 1966 in der jungen Bykert Gallery in Midtown Manhattan bildeten. Wie Jasper Johns, dessen Werke er während seiner Teilzeittätigkeit als Sicherheitsbeamter im Jüdischen Museum studiert hatte, mischte Herr Marden seine Ölfarben mit geschmolzenem Bienenwachs und trug die dicke Farbe mit Spateln und Messern auf, um eine matte Oberfläche auf der Leinwand zu erzeugen. Innerhalb weniger Jahre integrierte er mehrere Tafeln und Farbkombinationen in seine Werke, die er mit musikalischen Akkorden verglich, bei denen eine Note oder Farbe mit der nächsten abspielte.

Seine frühen Gemälde waren oft grau, obwohl sich die Farbe je nach Lichteinfall zu verändern schien. Einige ließen sich von seinen Reisen nach Griechenland inspirieren, wo er sich detaillierte Notizen über die Farbe des Meeres, des Himmels oder eines Olivenhains machte, die ihm zufällig ins Auge fielen: „ausweichendes Silbergrau-Grün, Blau-Grau-Grün-Licht, Schwarz-Grau-Braun.“ ”

Während seine monochromen Gemälde entschieden abstrakt waren, waren ihre Titel weitaus konkreter. „The Dylan Painting“, ein Werk in violettem Grau, deutete auf seine Verbindung zu Bob Dylan und anderen Volksmusikern der 1960er-Jahre hin, die er durch seine Ehe mit Pauline Baez, der älteren Schwester der Sängerin Joan Baez, kannte. Ein Werk namens „Nebraska“ wurde von einer Fahrt durch die Prärien des Mittleren Westens inspiriert. „For Helen“ basierte auf den Maßen der Künstlerin Helen Harrington, die er später heiratete (die Leinwand passte zu ihrer Größe und Schulterbreite), wobei die rosa Farbe von einem Paar ihrer Schuhe inspiriert war.

„Die Leute sagten, die Malerei sei tot. Und das war meine Denkweise: Nun, es gibt Dinge, die noch nicht getan wurden“, sagte er 2009 zu Harry Cooper, dem Leiter der Abteilung für moderne Kunst an der National Gallery of Art in Washington.

Obwohl er oft mit der minimalistischen Kunstbewegung in Verbindung gebracht wurde, hatten die Gemälde von Herrn Marden eine mythische Qualität, die sich jeder Etikettierung entzog. Als er 2006 eine Retrospektive seiner Arbeit im Museum of Modern Art besprach, bezeichnete der New Yorker Kunstkritiker Peter Schjeldahl Herrn Marden als „den tiefgreifendsten abstrakten Maler der letzten vier Jahrzehnte“ und verglich die Wirkung eines Marden-Gemäldes mit der eines Farbgemäldes. Feldarbeit von Mark Rothko, dem Maler, der nach eigenen Angaben eine Stimmung „der einzelnen menschlichen Figur, allein in einem Moment völliger Unbeweglichkeit“ heraufbeschwören wollte.

Als ihm sein früher monochromer Stil zu langweilig wurde, trieb Herr Marden seine Arbeit in neue Richtungen und arbeitete abwechselnd in größeren und kleineren Maßstäben. In seinem 1980 fertiggestellten Gemälde „Thira“, das auf die Architektur antiker griechischer Tempel anspielte, integrierte er 18 miteinander verbundene Tafeln. Auch für seine Werkzeuge wandte er sich der Natur zu und zeichnete mit in Tinte getauchten Ailanthuszweigen aus seinem Hinterhof in New York und mit einem drei Fuß langen Stock, mit dem er auf größeren Leinwänden schwungvolle gestische Markierungen machte.

Ab Ende der 1980er Jahre arbeitete er an einer Reihe von Gemälden, Zeichnungen und Radierungen mit dem Titel „Cold Mountain“, inspiriert von den Zen-Schriften des chinesischen Dichters Hanshan. Herr Marden las die Gedichte in der Übersetzung und studierte die ursprünglichen chinesischen Schriftzeichen, wobei er deren Struktur und Anordnung für seine eigenen kalligraphischen Stücke nutzte, die mit gewundenen Linien und Kringeln gefüllt waren, die sich wie ein Spinnennetz entfalteten und die Leinwand immer wieder kreuzten. Manchmal „löschte“ er die Linien und malte Weiß über Schwarz, um gespenstische Markierungen im Hintergrund zu hinterlassen.

„Letztendlich verwende ich das Gemälde als Resonanzboden für den Geist“, zitierte ihn seine Galerie Gagosian. „Man kann malen und an einen Ort gehen, an dem das Denken aufhört“, fügte er hinzu, „an dem man einfach sein kann und es einfach herauskommt.“

Nicholas Brice Marden Jr. wurde am 15. Oktober 1938 in Bronxville, NY, geboren und wuchs im nahegelegenen Briarcliff Manor auf. Sein Vater war Hypothekenverwalter, seine Mutter Hausfrau. Einer seiner Nachbarn, ein Maler, der zum Werbefachmann wurde, förderte sein Interesse an Kunst und beruhigte Herrn Mardens Eltern, die wollten, dass ihr Sohn eine Ivy-League-Ausbildung erhält.

Sie „waren sehr besorgt, dass ich ein schreckliches Beatnik-Leben führen würde“, sagte Herr Marden 2015 in einem Interview für das Robert Rauschenberg Oral History Project.

Herr Marden besuchte ein Jahr lang das Florida Southern College in Lakeland, bevor er an die Boston University wechselte, wo er Malerei studierte und seine Wochenenden damit verbrachte, Galerien und Museen in New York zu besuchen und die Werke alter Meister, darunter Francisco Goya und Francisco de Zurbarán, zu bewundern. Er schloss sein Studium 1961 mit einem BFA ab und erhielt zwei Jahre später einen MFA von der Yale University, wo zu seinen Lehrern die Maler Alex Katz und Jon Schueler gehörten und zu seinen Klassenkameraden die zukünftigen Stars der Kunstwelt Chuck Close, Robert Mangold und Richard Serra gehörten.

„Als ich in Yale ankam, habe ich ein Selbstporträt gemalt“, sagte Herr Marden, „und das war das letzte figurative Gemälde, das ich je gemacht habe.“

Mit seiner ersten Frau Baez zog er nach New York und bezog eine schäbige Wohnung in der Lower East Side. Eine Zeit lang lebten sie bei Baez‘ Eltern in Paris, wo Herr Marden mit seinem kleinen Sohn Nicholas auf den Schultern häufig Museen besuchte und unerwartete Inspiration auf der Straße fand, wo er Handwerkern dabei zusah, wie sie Putz und Stuck an den Wänden anbrachten eines stadtweiten Aufräumprojekts.

Wie er sagte, stand er „unter dem Einfluss der Wände“, als er nach seiner Rückkehr nach New York sein erstes monochromes Gemälde malte.

„Man macht etwas fast zufällig, und dann macht man viel Arbeit und kann es intellektuell rechtfertigen“, sagte er in der mündlichen Überlieferung. Er fügte hinzu, dass ihn auch die Arbeit von Johns bewegt habe, der in seinen Gemälden erkennbare Bilder – am bekanntesten sei eine amerikanische Flagge – in Abstraktionen verwandelt habe. „Ich hatte das Gefühl, etwas ganz Ähnliches zu tun“, sagte Herr Marden, „außer dass ich kein Bild davon hatte.“ Stattdessen malte er einfach ein Rechteck in Form einer Leinwand, die auf rechteckige Keilrahmen gespannt war.

„Es ging um die Frage: Was ist real?“, fuhr er fort. „Und ich hatte das Gefühl, ein abstrakter Maler zu sein, der echte Dinge malt.“

Seine erste Ehe endete mit einer Scheidung und 1968 heiratete er Harrington vor Zeugen, darunter dem Kunsthändler Klaus Kertess und dem Maler Robert Rauschenberg, für den er als Atelierassistent arbeitete. Neben seiner Frau Helen Marden und seinem Sohn aus erster Ehe, Nicholas, gehören zu den Überlebenden zwei Töchter aus seiner zweiten Ehe, Mirabelle und Melia Marden; eine Schwester; und zwei Enkelkinder.

Ab den frühen 1970er Jahren arbeitete Herr Marden einen Teil des Jahres auf der griechischen Insel Hydra. Er hatte auch Ateliers in Manhattan, die er mit Muscheln, Postkarten und alten Steinen dekorierte; in Eagles Mere, Pennsylvania, wo er in einer schwach beleuchteten Scheune an passend dunklen Gemälden arbeitete; und auf der Karibikinsel Nevis, wo er und seine Frau ein Hotel besaßen, das Golden Rock Inn.

Während eines kreativen Tiefpunkts in den 1980er Jahren reiste er durch Thailand, Sri Lanka und Indien, eine Reise, die sein Interesse an asiatischer Kunst vertiefte, sein Interesse an der Malerei neu belebte und zur Entstehung seiner „Cold Mountain“-Werke beitrug. Eine spätere Serie großformatiger Gemälde mit dem Titel „The Propitious Garden of Plane Image“ basierte teilweise auf einem Kommentar eines befreundeten Numerologen, der Herrn Marden sagte, seine „Zahl“ sei 6.

„Ich wurde am 15. geboren; 1 plus 5 ergibt 6“, sagte Herr Marden der Los Angeles Times im Jahr 2006. „Ich verwende in diesen Gemälden sechs Tafeln, und jede Tafel ist 6 mal 4 Fuß groß, also 24, was ebenfalls 6 ergibt. Es sind sechs.“ Farben und sechs Variationen.“

Es sei vielleicht eine ungewöhnliche Arbeitsweise, sagte er, aber „es gibt viele verschiedene Möglichkeiten, mit der Anfertigung eines Gemäldes zu beginnen.“ Du fährst durch Nebraska und sagst: „Nebraska ist wunderschön und ich werde ein Gemälde darüber machen.“ Das ist ein anderer Weg.“

Im Alter von 80 Jahren enthüllte Herr Marden 2018 den größten Auftrag seiner Karriere: „Moss Sutra With the Seasons“, ein fünfteiliges Gemälde, das die monochromatische Technik seiner frühen Werke aufnahm und in einer speziellen Galerie im Glenstone installiert wurde Museum in Potomac, Maryland. Es dauerte fünf Jahre, bis er fertig war – eine Zeitspanne, die vielleicht nur geringfügig länger war als üblich für Herrn Marden, dessen Ateliers oft mit unvollendeten Werken gefüllt waren, die an den Wänden lehnten oder auf einem Regal saßen.

Auf die Frage der New York Times, woher er wisse, wann ein Stück fertig sei, witzelte er: „Wenn der Lastwagen draußen steht.“